Женский головной убор

Русские народные головные уборы, как в любой традиционной культуре, имели четкую дифференциацию. Некоторые его формы отмирали с течением времени, другие сохранились до ХХ века.

Наиболее роскошным являлся женский головной убор. По его деталям часто можно было узнать, откуда владелица, её возраст, семейное и классовое положение.

В первую очередь, четко различался девичий и женский (бабий) головной убор. Незамужние носили более скромные уборы; также для девичьего убора была характерна открытая макушка и волосы на виду (пример - обруч, повязка), в то время, как замужние прятали волосы целиком.

Женский головной убор всегда сочетался с прической. Девушки носили 1 косу, а замужние крестьянки - плели 2, оборачивая их вокруг головы или укладывая в пучок.

Надевание какого-либо головного убора впервые часто сопровождалось определенными обрядами.

Головной убор в женском русском национальном костюме это не аксессуар, который может быть, а может и не быть. Это очень важная и обязательная часть повседневной и праздничной одежды. Видов головных женских уборов было достаточно много и современному человеку разобраться во всех этих корунах, киках и кокошниках достаточно трудно. Тем более, что на наш современный взгляд они, временами, похожи как близнецы, хоть и называются по- разному. А ведь для наших предков головной убор (как, впрочем, и весь народный костюм) был говорящим. С первого взгляда можно было определить издалека ли прибыла гостья, например, на ярмарку. Ведь в каждой губернии и волости была своя мода на то, какой головной убор носить, как он должен выглядеть и чем его украшать. И о социальном положении хозяйки многое можно было узнать. Главное - мужняя ли она жена или свободная девица-барышня. И примерный достаток угадывался - по богатству отделки головного убора и материала из которого он был сделан.

В фондах музея большое количество головных уборов (как оригинальных, так и реконструкции) и аксессуаров.Так можно увидеть реконструкции плетения кос. Проводятся мастер-классы по плетению кос.

2 половина XIX века. Россия

Ткань, шитье, бисер

Сорока (привязка, макушка) - самостоятельный женский головной убор или дополнение к другому убору. Простая сорока состояла из очелья (передняя часть), крыльев (боковая часть) и хвоста (задняя часть). Встречаются так же сороки состоящие только из двух частей: очелья и хвоста или очелья и крыльев. Этот головной убор изготавливался из шелка, кумача, бархата на холщевой основе и украшался вышивкой, бисером, золотым шитьем. В некоторых областях этот женский головной убор доходил до 20 элементов и требовал при одевании много времени и кропотливости.

Сорока зачастую самая дорогая часть всего гардероба. Богатую сороку-золотоломку молодухам позволяли носить по праздникам, первые два-три года после замужества. Владимир Даль писал, что в российском захолустье ему довелось видеть сороку ценой в десять тысяч.

Именно высокая стоимость сыграла с сорокой злую шутку - до наших дней они почти не сохранились. Скупая эту в прямом и переносном смысле золотую одежду, ее уничтожали, выплавляя драгметаллы . 2 половина XIX века. Россия

Ткань, шитье, бисер, золотые нити.

4 шт.

Высота - 18.5см

Дерево

Матрешка

Матрёшка - русская деревянная игрушка в виде расписной куклы, внутри которой находятся подобные ей куклы меньшего размера. Число вложенных кукол обычно от трёх и более. Обычно они имеют форму в виде яйца с плоским донцем и состоят из двух частей: верхней и нижней. По традиции рисуется женщина в красном сарафане и платке. В наше время темы для росписи разнообразны: это сказочные персонажи, девушки, а также семьи. Стали нередки и матрёшки пародийного характера с изображением политических деятелей. Сравнительно недавно стала набирать популярность матрёшка с изображением портрета на ней - портретная матрёшка. Портретная матрёшка - новое направление в искусстве авторской матрёшки, характеризующееся наличием портретного изображения на кукле.

Версия возникновения

Русская деревянная расписная кукла появилась в России в 90-х годах XIX века, в период бурного экономического и культурного развития страны. Это было время подъёма национального самосознания, когда в обществе всё настойчивее стал проявляться интерес к русской культуре вообще и к искусству в частности. В связи с этим возникло целое художественное направление, известное под названием русский стиль. Восстановлению и развитию традиций народной крестьянской игрушки уделялось особое внимание. С этой целью в Москве была открыта мастерская Детское воспитание. Первоначально в ней создавались куклы, демонстрировавшие праздничные костюмы жителей разных губерний, уездов России, и достаточно точно передававшие этнографические особенности женской народной одежды. В недрах этой мастерской и зародилась идея создания русской деревянной куклы, эскизы к которой были предложены профессиональным художником Сергеем Малютиным (1859-1937), одним из активных создателей и пропагандистов русского стиля в искусстве. Идея создания разъёмной деревянной куклы была подсказана С. В. Малютину японской игрушкой, привезённой с острова Хонсю женой С. И. Мамонтова. Это была фигура добродушного лысого старика, мудреца Фукурамы, в которой находилось ещё несколько фигурок, вложенных одна в другую.

Его матрёшка представляла собой круглолицую крестьянскую девушку в вышитой рубашке, сарафане и переднике, в цветастом платке, держащую в руках чёрного петуха.

Русскую деревянную куклу назвали матрёшкой. Сделано это было неслучайно. В дореволюционной провинции имена Матрёна, Матрёша считались одними из наиболее распространённых женских имён, в основе которых лежит слово матерь. Эти имена ассоциировалось с матерью многочисленного семейства, обладавшей хорошим здоровьем и дородной фигурой. Впоследствии оно сделалось нарицательным и стало означать токарное разъёмное красочно расписанное деревянное изделие. Но и по сей день матрёшка остаётся символом материнства, плодородия, поскольку кукла с многочисленным кукольным семейством прекрасно выражает образную основу этого древнейшего символа человеческой культуры.

Первая русская матрёшка, выточенная по эскизам С. В. Малютина лучшим игрушечником из Сергиева Посада В. Звёздочкиным, была восьмиместная. За девочкой с чёрным петухом следовал мальчик, затем опять девочка. Все фигурки отличались друг от друга, а последняя, восьмая, изображала спелёнатого младенца.

Технологию изготовления матрёшки российские мастера, умевшие вытачивать деревянные предметы, вкладывающиеся друг в друга (например, пасхальные яйца), освоили с лёгкостью. Принцип изготовления матрёшки остаётся неизменным до настоящего времени, сохранив все приёмы токарного искусства русских умельцев.

Музеи матрёшки

В нескольких городах работают музеи матрёшки: в Москве - в Леонтьевском переулке, в Нижнем Новгороде, в Нолинске, Калязине, Вознесенском и в Сергиевом Посаде.

Изготовление матрёшек

Сейчас матрёшки делают в различных мастерских.

Сначала подбирают подходящий вид древесины. Из-за мягкости в основном выбирают липу, реже ольху или берёзу. Деревья обычно срубают ранней весной, снимают кору, но не полностью, чтобы во время сушки древесина не давала трещин. Затем брёвна складируют и сушат в течение нескольких лет в хорошо вентилируемом месте.

К обработке древесины необходимо приступать тогда, когда она не сухая, но и не сырая. Каждая заготовка проходит более десятка операций. Самую маленькую куклу - неразборную - делают первой.

Когда матрешка готова, приступают к следующей фигурке, в которую войдёт первая. Заготовка необходимой высоты обрабатывается и разрезается на верхнюю и нижнюю части. Первой делается нижняя часть. Затем удаляют древесину изнутри обеих частей второй куклы так, чтобы меньшая кукла плотно вставлялась внутрь. Потом процесс повторяется для куклы бо́льшего размера, в которую войдут две предыдущие и т. д. Количество кукол может быть различным.

В заключение процесса каждую куклу покрывают масляным лаком. После окончательной сушки и полировки художник приступает к раскраске. В качестве красок используется акварель, гуашь, темпера, реже масляные краски. Несмотря на разнообразие красок, мастера по-прежнему отдают предпочтение гуаши.

Музей матрёшки

1половина 20 века

Россия, Псковская область, деревня Заболотье

дерево, резьба по дереву

большое количество самых разнообразных предметов : прялки, ступы,

туеса, короба, сундуки, льночесалки, ухваты, чугунки, утюги,

рукомойники и многое другое.

Коллекция собирается со дня основания музея и пополняется

экспонатами благодаря активной работе, как сотрудников школы, так

и учеников и их родителей.

Жостово

Жостовская роспись - русский народный художественный промысел росписи кованых металлических (жестяных) подносов, существующий с 1825 года в деревне Жостово Мытищинского района Московской области.

Основной мотив жостовской росписи - цветочный букет.

История Жостово и жостовского промысла

История Жостово и жостовского промысла восходит к началу 19-ого века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) - Жостово, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других - возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Традиции этой росписи появились в Жостово и окрестных селениях на основе более ранней тагильской росписи (18-ый век). Основной мотив жостовской росписи, как и тагильской, - это цветочный букет.

В 1922 г. в деревне Новосельцево возникла Новосельцевская трудовая артель по выпуску железных лакированных подносов; в 1924 г. в деревне организовались Жостовская трудовая артель и Спецкустарь; в 1925 г. - Лакировщик и одновременно в селе Троицкое - артель Свой труд по росписи подносов. Все они были объединены в 1928 г. в специализированную артель Металлоподнос в деревне.

1920-1930-е годы были нелёгкими в истории Жостово. Общие для советского искусства тенденции прямолинейного утверждения современности и реализма приводили к тому, что ведавшие народными промыслами организации пытались изменить традиционное направление их развития и внедряли в жостовскую живопись образцы орнаментальных и тематических композиций, созданные художниками-профессионалами без учета специфики местного искусства и несущие черты станковизма и натурализма. Ведущие художники понимали чужеродность подобных новаций самой сущности народного творчества, сумели противостоять им и направить новые идеи на углубление традиционного мастерства.

В 1960-е годы начался новый этап в истории Жостово, продолжающийся и сейчас. Художественная роспись подносов обретала всё больший авторитет и популярность благодаря не только массовыми изделиям, но и уникальными произведениям ведущих мастеров, все чаще привлекавшим внимание на многочисленных выставках в стране и за рубежом. За свою историю жостовские подносы из бытового предмета стали самостоятельными декоративными панно, а ремесло, служившее некогда подспорьем к земледелию, обрело статус уникального вида русского народного искусства. Сегодня декоративная роспись находится на подъёме. Это не означает, что в жизни промысла нет сложностей и проблем. Они существуют во всех сферах нашей культуры, которой приходится противостоять современной коммерциализации. Жостово подражают, пытаются подделываться под стиль и даже авторские манеры художников. Однако коллектив, постоянно работающий в промысле, обладает высочайшим профессионализмом, достигнутым многолетним упорным трудом и творческими поисками, совершенствованием мастерства и постоянной ориентацией на лучшие образцы из наследия старых мастеров. К этому надо добавить изучение истории искусства, классического натюрморта и разных видов русского прикладного и народного искусства, пополняющих творческую копилку мастеров.

Особенности жостовской росписи

В искусстве жостовских мастеров реалистическое ощущение живой формы цветов и плодов сочетается с декоративной обобщённостью, родственной русской народной кистевой росписи на сундуках, берестяных туесах, прялках и т. п. Основной мотив росписи - цветочный букет простой композиции, в котором чередуются крупные садовые и мелкие полевые цветы. Роспись производится обычно по чёрному фону (иногда по красному, синему, зелёному, серебряному), причём мастер работает сразу над несколькими подносами.

По назначению подносы делятся на две группы: для бытовых целей (под самовары, для подачи пищи) и как украшение.

По форме подносы бывают круглые, восьмиугольные, комбинированные, прямоугольные, овальные и другие.

В коллекции музея находятся подносы второй половины 20 века

1925

Россия, Архангельская область

дерево, резьба по дереву, роспись.

Вторая половина 20 века. Россия.

Дерево. Художественная роспись.

Диаметр-8 см, высота-11см

Дымковская игрушка

Дымковская игрушка - один из русских народных глиняных художественных промыслов. Возник в заречной слободе Дымково, близ города Вятки (ныне на территории города Кирова).

Это один из самых старинных промыслов Руси, более четырёхсот лет.

История

Возникновение игрушки связывают с весенним праздником свистуньей, к которому женское население слободы Дымково лепило глиняные свистульки в виде коней, баранов, козлов, уток и других животных; их красили в разные яркие цвета. Позднее, когда праздник потерял своё значение, промысел не только сохранился, но и получил дальнейшее развитие.

Изготовление

Дымковская игрушка - изделие ручной работы. Каждая игрушка - создание одного мастера. Изготовление игрушки от лепки и до росписи - процесс творческий, никогда не повторяющийся. Нет и не может быть двух абсолютно одинаковых изделий.

Для производства дымковской игрушки используется местная ярко-красная глина, тщательно перемешанная с мелким коричневым речным песком. Фигурки лепят по частям, отдельные детали собирают и долепливают, используя жидкую красную глину как связующий материал. Следы лепки заглаживают для придания изделию ровной и аккуратной поверхности.

После полной просушки в течение от двух до пятидесяти дней и обжига при температуре 700-900 игрушки покрывают темперными белилами в два-три слоя (прежде побелку осуществляли мелом, разведённым на молоке). Раньше игрушки расписывали темперными красками, замешанными на яйце с квасом, используя вместо кистей палочки и перья. Расписанную игрушку вновь покрывали взбитым яйцом, что придавало блёклым анилиновым краскам блеск и яркость. Сегодня для росписи применяются анилиновые красители и мягкие колонковые кисти. Использование широкой гаммы цветов, в которой много красного, жёлтого, синего, зелёного, алого, придаёт дымковской игрушке особую яркость и нарядность. Строго геометрический орнамент строится по разнообразным композиционным схемам: клетки, полоски, круги, точки наносятся в различных сочетаниях. Завершают украшение игрушки-ромбики из потали или сусального золота, наклеенные поверх узора.

Наиболее распространённые сюжеты: няньки с детьми, водоноски, бараны с золотыми рогами, индюшки, петухи, олени, молодые люди, скоморохи, барыни.

Значение дымковской игрушки

Дымковская игрушка стала одним из символов Кировской области, подчеркивающим самобытность Вятского края, его древнюю историю.

Благодаря своей пластике, простоте узоров, яркости палитры дымковская игрушка широко изучается и используется в детском творчестве, воплощаясь в виде рисунков, изделий из глины и других материалов. Наряды дымковских барынь нашли отражение в коллекциях современных модельеров одежды.

Народный дымковский стиль неоднократно использовались в художественных (прежде всего детских) произведениях (например, мультфильм Вернулся служивый домой. Режиссёр Владимир Дегтярёв, СССР, 1959).

В 2010 году в центре Кирова установлена скульптурная группа Семья, выполненная по канонам дымковской игрушки и представляющая собой группу из барыни с младенцем, мужичка с гармошкой, ребёнка со свистулькой, кошки и собаки.

Мотивы дымковского орнамента были использованы на церемонии открытия зимних Олимпийских игр 2014 года в Сочи.

Глина. Роспись. Высота-12 см

Глина. Роспись. Высота-15 см

Глина. Роспись. Высота-14 см

Вторая половина 20 века. Россия.

Дерево. Художественная роспись.

Диаметр=-18 см, высота-8 см

Скопинская керамика

Скопинская керамика - традиционные русские гончарные изделия, производимые в городе Скопин Рязанской области, Россия.

История

Возникновению ремесла способствовало наличие залежей глины. Первые письменные источники о гончарном промысле относятся к 1640 году.

Производство было основано в 1860-х гг. крестьянами братьями Оводовыми. Всероссийская известность пришла к промыслу во II половине XIX века. Приостановился во время Первой мировой войны и в 1920-е годы. С 1934 года производство возродилось на Скопинской фабрике художественных изделий. В 1969 году на базе артели Керамик была создана Скопинская фабрика художественной керамики, сейчас - ЗАО Скопинская художественная керамика и ЗАО Скопинский сувенир.

Изготовление

Детали керамики формировались на ручном станке, затем соединялись жидкой глиной и украшались рельефным и вдавленным орнаментом, тёмно-коричневой глазурью с добавлением окиси марганца, ярко-зелёной с окисью меди, густо-жёлтой с окисью железа и реже синей кобальтовой. При обжиге крупинки глазури плавились неравномерно, живописно растекаясь.

Изделия представляют собой кувшины, подсвечники, квасники, кумганы, оправы для каминных часов и декоративную скульптуру малых форм (драконы, кентавры, сказочные львы, фигуры рыб, птиц и домашних животных). Особым был образ птицы Скопы, от имени которой и произошло название города.

Особенности

Для скопинской керамики характерны сложные силуэты, обусловленные соединением форм посуды с фигурами реальных или сказочных существ.

Керамика. Глазурная роспись. Высота-20 см.Диаметр- 9 см.

Хохломская роспись

Хохломская роспись - народный декоративный промысел

Роспись

Роспись выглядит ярко, несмотря на темный фон. Для создания рисунка используются такие краски, как красная, жёлтая, оранжевая, немного зелёной и голубой. Также в росписи всегда присутствует золотой цвет. Традиционные элементы Хохломы - красные сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Также нередко встречаются птицы, рыбы и звери.

История

Предполагают, что Хохломская роспись возникла в XVII веке на левом берегу Волги, в деревнях Большие и Малые Бездели, Мокушино, Шабаши, Глибино, Хрящи. Деревня Хохлома была крупным центром сбыта, куда свозили готовые изделия, оттуда и пошло название росписи. В настоящее время родиной хохломы считается поселок Ковернино в Нижегородской области.

На сегодняшний момент существует множество версий происхождения хохломской росписи, вот две наиболее распространенные:

Первая версия

По наиболее распространенной версии, уникальный способ окраски деревянной посуды под золото в лесном Заволжье и само рождение хохломского промысла приписывалось старообрядцам. Еще в давние времена среди жителей местных деревень, надежно укрытых в глухомани лесов, было немало старообрядцев, то есть людей, спасавшихся от гонения за старую веру. Среди переселившихся на нижегородскую землю старообрядцев было немало иконописцев, мастеров книжной миниатюры. Они привезли с собой древние иконы и рукописные книги с красочными заставками, принесли тонкое живописное мастерство, каллиграфию свободного кистевого письма и образцы богатейшего растительного орнамента.

В свою очередь, местные мастера отменно владели токарным мастерством, передавали из поколения в поколение навыки изготовления посудных форм, искусство объемной резьбы. На рубеже XVII-XVIII столетий лесное Заволжье стало настоящей художественной сокровищницей. Искусство Хохломы унаследовало от заволжских мастеров классические формы токарной посуды, пластику резных форм ковшей, ложек, а от иконописцев - живописную культуру, мастерство тонкой кисти. И, что не менее важно, секрет изготовления золотой посуды без применения золота.

Вторая версия

Но есть документы, свидетельствующие о другом. Способ имитации позолоты на дереве, родственный хохломскому, использовался нижегородскими ремесленниками в окраске деревянной посуды еще в 1640-1650 годах, до появления старообрядчества. В крупных нижегородских ремесленных селах Лысково и Мурашкино, в заволжском селишке Семеновское (будущий город Семенов - один из центров хохломской росписи) изготовлялась деревянная посуда - братины, ковши, блюда для праздничного стола - окрашенная на оловянное дело, то есть с применением оловянного порошка. Способ окраски деревянной посуды на оловянное дело, вероятно, предшествовавший хохломскому, сложился из опыта иконописцев и местных поволжских традиций посудного ремесла.

Факторы, давшие толчок к развитию хохломской росписи

Производство хохломской посуды долгое время сдерживалось дороговизной привозимого олова. Обеспечить оловом мастеров мог только очень состоятельный заказчик. В Заволжье такими заказчиками оказались монастыри. Так, села Хохлома, Скоробогатово и около 80 селений по рекам Узоле и Керженцу работали на Троице-Сергиев монастырь. Из документов монастыря видно, что крестьяне этих сел вызывались для работы в мастерских Лавры, где могли познакомиться с производством праздничных чаш и ковшей. Не случайно, что именно хохломские и скоробогатовские села и деревни стали родиной оригинальной росписи посуды, так похожей на драгоценную.

Обилие леса, близость Волги - главной торговой артерии Заволжья - также способствовало развитию промысла: груженные щепным товаром. Суда направлялись в Городец, Нижний Новгород, Макарьев, славившиеся своими ярмарками, а оттуда - в Саратовскую и Астраханскую губернии. Через прикаспийские степи хохломская посуда доставлялась в Среднюю Азию, Персию, Индию. Англичане, немцы, французы охотно скупали заволжскую продукцию в Архангельске, куда она доставлялась через Сибирь. Крестьяне вытачивали, расписывали деревянную посуду и везли её для продажи в крупное торговое село Хохлома (Нижегородской губернии), где был торг. Отсюда и пошло название хохломская роспись, или просто хохлома.

Существует и легендарное объяснение появления хохломской росписи. Был замечательный иконописец Андрей Лоскут. Бежал он из столицы, недовольный церковными нововведениями патриарха Никона, и стал в глуши приволжских лесов расписывать деревянные поделки, да писать иконы по старому образцу. Прознал про это патриарх Никон и отправил за непокорным иконописцем солдат. Отказался подчиниться Андрей, сжёг себя в избе, а перед смертью завещал людям сохранить его мастерство. Искрами изошёл, рассыпался Андрей. С той поры и горят алым пламенем, искрятся золотыми самородками яркие краски хохломы.

Центры народного промысла хохломы

В настоящее время у хохломской росписи два центра - город Семёнов, где находятся фабрики Хохломская роспись и Семёновская роспись, и село Сёмино Ковернинского района, где работает предприятие Хохломский художник, объединяющее мастеров деревень Ковернинского района: Сёмино, Кулигино, Новопокровское и др. (фабрика находится в д. Сёмино). В данный момент деятельность предприятия сведена практически к нулю. В д. Семино расположено также предприятие, занимающееся 19 лет выпуском деревянных шкатулок с хохломской росписью (ООО Промысел).

Технология

Как создаются изделия с хохломской росписью? Сначала бьют баклуши, то есть делают грубые бруски-заготовки из дерева. Затем мастер встает за токарный станок, снимает резцом излишек древесины и постепенно придает заготовке нужную форму. Так получается основа - бельё (неокрашенные изделия) - резные ковши и ложки, поставцы и чашки.

После сушки бельё грунтуют жидкой очищенной глиной - вапой, как её называют мастера. После грунтовки изделие 7-8 часов сушат и обязательно вручную покрывают несколькими слоями олифы (льняного масла). Мастер окунает в миску с олифой специальный тампон, приготовленный из овечьей или телячьей кожи, вывернутой наизнанку, а затем быстро втирает в поверхность изделия, поворачивая его так, чтобы олифа распределялась равномерно. Эта операция очень ответственная. От неё будет в дальнейшем зависеть качество деревянной посуды, прочность росписи. В течение дня изделие покроют олифой 3-4 раза. Последний слой высушат до небольшого отлипа - когда олифа слегка прилипает к пальцу, уже не пачкая его. Следующий этап - лужение, то есть втирание в поверхность изделия алюминиевого порошка. Выполняют его также вручную тампоном из овечьей кожи. После лужения предметы приобретают красивый бело-зеркальный блеск, и готовы для росписи. В росписи применяются масляные краски. Главные цвета, определяющие характер и узнаваемость хохломской росписи - красный и чёрный (киноварь и сажа), но для оживления узора допускаются и другие - коричневый, светлого тона зелень, жёлтый тон. Кисти для росписи делаются из беличьих хвостов, так, чтобы ими можно было провести очень тонкую линию.

Лужение и художественная роспись

Выделяют роспись верховую (когда по закрашенному серебристому фону наносят рисунок (криуль - основная линия композиции, на неё насаживают такие элементы как осочки, капельки, усики, завитки т. д.) красным и черным цветом) и под фон (сначала намечается контур орнамента, а потом заполняется чёрной краской фон, рисунок листа или цветочка остается золотым). Кроме того, существуют разнообразные виды орнаментов:

пряник - обычно внутри чашки или блюда геометрическая фигура - квадрат или ромб - украшенная травкой, ягодами, цветами;

травка - узор из крупных и мелких травинок;

кудрина - листья и цветы в виде золотых завитков на красном или чёрном фоне;

Используют мастера и упрощённые орнаменты. Например, крап, который наносят штампиком, вырезанным из пластинок гриба-дождевика, или особым образом свёрнутым кусочком ткани. Все изделия расписываются вручную, причём роспись нигде не повторяется. Какой бы выразительной ни была роспись, пока узор или фон остаются серебристыми, это ещё не настоящая хохлома.

Расписанные изделия 4-5 раз покрывают специальным лаком (с промежуточной сушкой после каждого слоя) и, наконец, закаливают в течение 3-4 часов в печи при температуре +150… +160 до образования масляно-лаковой плёнки золотистого цвета. Так получается знаменитая золотая хохлома.

Керамика.

Глазурная роспись.

Высота-43 см.Диаметр- 12 см

Гжель

Гжель - русский народный промысел производства керамики и вид русской народной росписи, также один из традиционных российских центров производства керамики. Более широкое значение названия Гжель, являющееся правильным с исторической и культурной точки зрения, - это обширный район , состоящий из 27 деревень, объединённых в Гжельский куст . Гжельский куст расположен примерно в шестидесяти километрах от Москвы по железнодорожной линии Москва - Муром - Казань. Сейчас Гжельский куст входит в Раменский район Московской области, Россия. До революции этот район относился к Богородскому и Бронницкому уездам .

Этимология

Название Гжель имеет балтийское происхождение, вследствие чего наиболее близкие ему топонимические параллели находятся на западе, в области балтийской гидронимии. Так, в левобережье верхнего Приднепровья находим реку Агжелка, она же Гжелка, Гжолка, Гжелька; в Смоленской области близко к рассматриваемому названию река Гжать (правый приток Вазузы), а название её притока Кзелка сопоставимо с Кжеля, наиболее ранней формой названия села Гжель (чередование ж-з в названиях Верхнего Поднепровья встречается часто). Допускается образование гидронима Гжель из балтийского gud(i)-el- (сравни др.-прусск. 'кустарник'). Эта основа широко представлена в балтийской гидронимии .

История

Издавна Гжель славилась своими глинами. Широкая добыча разных сортов глины велась здесь с середины XVII века. В 1663 году царь Алексей Михайлович издал указ во гжельской волости для аптекарских и алхимических сосудов прислать глины, которая годится к аптекарским сосудам. Тогда же для аптекарского приказа было доставлено в Москву 15 возов глины из Гжельской волости и повелено держать ту глину на аптекарские дела: и впредь тое глину изо Гжельской волости указал государь имать и возить тое же волости крестьянам, како же глина в Аптекарьский приказ надобна будет. В 1770 году Гжельская волость была целиком приписана к Аптекарскому приказу для алхимической посуды. Великий русский учёный М. В. Ломоносов, по достоинству оценивший гжельские глины, написал о них столь возвышенные слова: …Едва ли есть земля самая чистая и без примешания где на свете, кою химики девственницею называют, разве между глинами для фарфору употребляемыми, такова у нас гжельская… , которой нигде не видал я белизною превосходнее….

До середины XVIII века Гжель делала обычную для того времени гончарную посуду, изготавливала кирпич, гончарные трубы, изразцы, а также примитивные детские игрушки, снабжая ими Москву. Полагают, что количество выпускаемых тогда игрушек должно было исчисляться сотнями тысяч штук в год.

К 1812 году в Гжели насчитывается 25 заводов, выпускающих посуду. Среди них самыми популярными были заводы Ермила Иванова и Лаптевых в деревне Кузяево. По подписям на оставшихся изделиях известны мастера Никифор Семёнович Гусятников, Иван Никифорович Срослей, Иван Иванович Кокун. Кроме посуды, делали игрушки в виде птиц и зверей и декоративные статуэтки на темы из русского быта. Блестящие белые лошадки, всадники, птички, куклы, миниатюрная посуда расписывались лиловой, жёлтой, синей и коричневой красками в своеобразном народном стиле. Краски наносились кистью. Мотивами этой росписи являлись декоративные цветы, листья, травы.

После 1802 года, когда была найдена светлая серая глина близ деревни Минино, в Гжели возникло производство полуфаянса, из которого во множестве делали квасники, кувшины и кумганы. Со второй половины 20-х годов XIX века многие изделия расписывали только синей краской. Полуфаянс отличался грубым строением и малой прочностью.

Гжельская роспись на фарфоре

Около 1800 года в деревне Володино Бронницкого уезда крестьяне, братья Куликовы, нашли состав белой фаянсовой массы. Там же около 1800-1804 годов был основан и первый фарфоровый завод. Павел Куликов, его основатель, научился технике изготовления фарфора, работая на заводе Отто в селе Перово. Желая сохранить секрет выработки фарфора, Куликов всё делал сам, имея только одного рабочего, но, по преданиям, двух гончаров. Г. Н. Храпунов и Е. Г. Гусятников тайно проникли в мастерскую Куликова, срисовали горн (печь для обжига изделий) и завладели образцами глины, после чего открыли собственные заводы. Завод Куликова замечателен тем, что от него пошло фарфоровое производство Гжели.

Вторая четверть XIX века - период наивысших художественных достижений гжельского керамического искусства во всех его отраслях. Стремясь получить тонкий фаянс и фарфор, владельцы производств постоянно совершенствовали состав белой массы.

C середины XIX века многие гжельские заводы приходят в упадок, и керамическое производство сосредотачивается в руках Кузнецовых, некогда выходцев из Гжели. После революции кузнецовские заводы были национализированы.

Только с середины XX века в Гжели начинается восстановление промысла, отметившего недавно своё 670-летие. В 1930-х и 1940-х здесь была сосредоточена почти половина всех фарфорофаянсовых предприятий России.

В 1912 году на Казанской железной дороге на ветке Москва - Черусти была открыта железнодорожная станция, получившая название по местности - Гжель. Выросший при станции посёлок также называется Гжель. Посёлок состоит из двух частей, неофициально именуемых Посёлок известкового завода, или Известковый (по имени находившегося здесь и снесённого известкового завода), и Посёлок кирпичного завода, или Труженик.

1997. Россия.

Фаянс. Глазурная роспись. Высота -24 см

Фаянс. Глазурная роспись. 20х8х12

Худ.-Музыченко

12 шт.

Высота-21,5см

Дерево

2012-2016

Фарфор, ткань

2012-2016 гг

Коллекция фарфоровыхкукол в народных костюмах включает в себя такие разделы как Костюмы народов России, Костюмы народов ближайшего зарубежья и странСНГ, Костюмы народов зарубежных стран.

Первый выпуск проекта был осуществлен в январе 2012 года. В первого выпуска наш музей стал собирать коллекцию данных кукол.

Этнография - это предмет, который не преподают в школах, но мы считаем, что он очень важен для понимания широты и богатства окружающего мира Н. Новикова, ведущий научный сотрудник Института этнографии и антропологии РАН.

Всего в коллекции музея более 150 экспонатов.

www.dolls.deagostini.ru

Фарфор, ткань.